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Lenguaje_3

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Montaje.  Signos de puntuación

El montaje

Sabemos que el montaje es la combinación de planos para construir una película, la coordinación de un plano con el siguiente. En el montaje hay, pues, dos operaciones, una puramente mecánica, unir los planos, pero otra estética que es lo que constituye el montaje propiamente dicho, es la sintaxis en el lenguaje cinematográfico. Recordad las palabras de Orson Welles: “Es en la sala de montaje donde se fabrica toda la elocuencia del cine”

[Como viene sucediendo últimamente, seguimos teniendo algún problema con los vídeos subidos a GOOGLE ,  así que mientras se soluciona el problema, os los voy volviendo a subir a BLIP TV aún cuando su “tamaño” sea menor:  19 DE OCTUBRE 2009]


Tipología

Dependiendo del criterio que utilicemos podemos hablar de distintos tipos de montaje.

Criterio 1

Si consideramos el montaje de una secuencia o de un fragmento de película podemos hablar de montaje analítico o montaje sintético. Será analítico si la acción se fragmenta en muchos planos con lo que aumenta la tensión emocional, mientras que el sintético opta por las tomas largas y el uso del plano secuencia.

Criterio 2

Si atendemos a la historia del montaje hablaremos de los tipos establecidos ya casi desde los inicios del cine: del montaje a partir de Griffith y hablaremos entonces de lineal, invertido -aplicables a la totalidad de la película-, o bien alternante y paralelo que pueden aparecer combinados con cualquiera de los anteriores. También nos centraremos en algunos de los montajes creados por Eisenstein: el montaje intelectual.

Criterio 3

Incluso, y ya que durante el curso estudiamos las vanguardias rusas o movimientos más cercanos como la nouvelle vague, podemos establecer, independientemente de la tipología anterior, otros tipos de montaje: continuo, el montaje clásico que observa escrupulosamente todo tipo de raccord y el discontinuo en el que la continuidad entre planos se puede romper poniendo entonces de manifiesto el “artificio” del cine.  Este tipo de montaje, es perfectamente compatible con los montajes anteriores.

No montaje. Y, por supuesto, sabemos que existe también la posibilidad de lo que sería no montaje. Lo vimos no sólo en el cine primitivo, sino también con un fragmento de La soga, de Alfred Hitchcock -1948-. Os dejó aquí un ejemplo más actual y esta vez sin que el director, por necesidades técnicas, tuviera que cortar: Russian Ark, de Alexander Sokurov.-2002-. la película, rodada en tecnología digital, es un plano secuencia de 97 minutos de duración. El operador Tillman Battner recorrió con una steadycam digital un total de 1800 metros, distribuidos alrededor de 33 estancias del museo Hermitage de San Petesburgo. En el plano intervinieron un total de 2000 actores con vestidos de época y tres orquestas tocando en directo. Un continuo travelling nos lleva por distintas salas y dependencias del palacio y, a través de ellas, entremezclándose personajes del siglo XVIII y del XX, revisamos cuatro siglos de la historia de Rusia desde Pedro el Grande.

Tres minutos, casi casi iniciales, de “muestra”:

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[Nota: Además de lo que vayamos comentando en clase,  contáis con una breve información sobre la historia del montaje -en el cine sonoro y en el cine mudo-, así como información sobre elementos a tener en cuenta al hablar de montaje, (al final de la página en PDF)]

Algunos ejemplos  (Criterio 1)

Montaje analítico

La famosa escena de la ducha de Psicosis, de Alfred Hitchcock, -1960-: A la perfecta planificación que Hictchcock diseñó mano a mano con Saúl Bass (mítico creador de títulos de crédito), se une el difícil montaje que bordó George Tomasini, montador habitual de Hitchcock y la música de cuerdas de Bernard Herrmann, responsable de la música de muchas de las obras del maestro inglés. Inicialmente, la escena del asesinato en la ducha no tendría más sonido que el del cuchillo y el grito de Marion Crane (Janet Leigh), si bien, al escuchar Hitchcock lo que Herrmann había compuesto dio más que el visto bueno a la utilización de esta música en la escena. El rodaje de la escena de la ducha duró siete días y se realizaron setenta posiciones de cámara distintas para obtener cuarenta y cinco segundos de película. Podéis entreteneros en determinar el número de planos. Algunas curiosidades sobre la escena

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Os incluyo también los comentarios de Alfred Hitchcock sobre la escena:

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Actualización Montaje sintético

No os había incluido ningún ejemplo hasta ahora, pero si en página anterior a esta os comentaba la noticia de la muerte de Bergman, casi a la vez, surge la de la muerte de Michelangelo Antonioni, otro de los grandes de la historia del cine. Al hilo de la noticia podemos cumplir dos objetivos, recordarle y revisar la idea de montaje sintético, con un ejemplo de su película El reportero, de 1975. El fragmento, de ocho minutos, contiene cinco planos, el último un largísimo plano de casi seis.

Corresponde al final de la película -que tampoco os voy a destripar-:

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[“En los espacios vacíos y callados del mundo, él ha encontrado metáforas que iluminan los sitios silentes de nuestros corazones, y hallado en ellos, también, una belleza extraña y terrible; austera, elegante, enigmática y obsesiva”, dijo el actor Jack Nicholson en la entrega del Oscar especial a Antonioni. Nicholson era, juanto a María Schneider, el protagonista de “El reportero” (“The Passenger”)]

Griffith y el montaje

Con Griffith adquieren carta definitiva una serie de montajes que continúan hasta hoy: el montaje lineal (es decir, siguiendo el orden cronológico), el montaje invertido (con retroacciones, o lo que es lo mismo, con flashback),  así como el alternante y el montaje paralelo.

Montaje alternante

Con David Wark Griffith el relato cinematográfico llega a su madurez. No debemos olvidar los logros anteriores, desde los componentes de la Escuela de Brighton a Edwin S. Porter, pero será con Griffith cuando podemos considerar formalizado el lenguaje cinematográfico. Uno de sus logros está en consolidar el montaje alternante: escenas que suceden al mismo tiempo pero en lugares diferentes se alternan logrando intensificar la emoción.

El fragmento pertenece a El nacimiento de una nación. –1915-. Ya fue visto y comentado en clase y corresponde casi al final de la película cuando, reunidos los clanes, el Ku Kus Klan logra salvar “a la chica” -Lillian Gish-, y al pueblo, de las garras del alcalde de la localidad que, naturalmente es negro (revisa el tema de la película).

Montaje paralelo

Los fragmentos de Intolerancia, -1916-, os permitirán recordar en qué consiste el montaje paralelo, como sabéis: historias que se entrecruzan pero que no coinciden ni en tiempo ni en espacio, sólo tienen algo en común, el tema. En el caso de la película de Griffith, la intolerancia (religiosas o sociales), en cuatro épocas distintas.

Los 20 primeros minutos nos permiten hacernos una idea:

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Sobre algún episodio concreto, otro fragmento:

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El  vídeo  se centra en el episodio de la caída de Babilonia (permite, de paso es inevitable fijarse en la grandiosidad de la escenografía), aunque el final de la secuencia. y mediante la imagen de la mujer meciendo la cuna, enlaza con el episodio de intolerancia en el siglo XX.

El montaje en el cine soviético

De enorme importancia fue la difusión de la película Intolerancia de Griffith, admirada por su complejidad técnica y considerada modelo para el cine soviético. Ya en los años veinte en Europa había una separación entre el cine comercial (americano fundamentalmente, de entretenimiento) y el artístico (europeo, más reflexivo). En cierta forma el cine soviético logra una síntesis: la destreza narrativa del cine americano y la nueva estética reflexiva al servicio de la revolución.

El mayor logro del cine ruso es el dominio del montaje como recurso narrativo, desarrollando toda una completa teoría de la percepción basándose en la la asociación que establece el espectador entre dos planos que se le muestran seguidos. Dziga Vertov, Eisenstein, Kulechov, Pudovkin y Dovzhenko son algunos de los nombres de los grandes cineastas que contribuyeron a la creación del lenguaje cinematográfico.

Dziga Vertov descubre que la suma de imágenes produce una imagen nueva, no se conforma con mostrar lo que ve sino que pretende transmitir una ideología. Para Dziva Vertov, el cine no debe explicar historias (un entretenimiento burgués) sino mostrar la realidad. (Recuerda el cine-ojo)

Kulechov descubre que la relación de imágenes produce un significado nuevo y consigue cambiar el significado de las imágenes gracias al montaje. No da ninguna importancia a lo que hay dentro del plano porque considera que sólo el montaje puede engañar al espectador haciéndole creer lo que él quiera (lo que hay dentro del propio plano es irrelevante, por tanto).

El efecto Kulechov

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Montaje intelectual o ideológico El fragmento corresponde a la película Octubre, a la secuencia de “los ídolos”. Octubre narra el asalto al palacio de invierno en 1917 durante la revolucion bolchevique, En ella Eisenstein utiliza lo que el denomina como “montaje intelectual” sucesión de imágenes que al parecer no tienen nada en común pero estimula al espectador a analizarlas y buscarles un nexo. La línea narrativa se interrumpe con imágenes que invitan a la reflexión En las imágenes vemos que a la consigna “Por Dios y por la Patria” sigue una muestra de imágenes de ídolos de diversas religiones de modo que al espectador le sugiera la pregunta ¿Qué dios?, ¿en nombre de qué dios se convoca a la guerra?

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O este otro, también de Octubre que comentamos y del que volveremos a hablar en la Historia del cine:

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RACCORD

Un elemento importante a la hora del montaje es lo que se llama raccord o continuidad de un plano a otro  de todos los elementos del encuadre, sin que se produzca ningún salto. Hay por movimiento, color, luz, contenido, sonido…, e incluso por combinación de algunos de estos aspectos.

La continuidad o raccord es uno de los elementos esenciales del cine clásico, del cine iniciado con Griffith y de lo que se llamó el Modo de Representación Institucional  (MRI) cuyo principio fundamental era la verosimilitud: el espectador no deberíaser consciente del artificio del cine. Veremos, no obstante otros movimientos cinematográficos  (nouvelle vague, por ejemplo), en que este principio deja de ser importante.

Y, naturalmente, de los errores de raccord no se libran ni las grandes películas clásicas. En clase nos fijamos en Ángeles sin paraíso, aquí os dejo algunos ejemplos más:

Casablanca, Michael Curtiz, 1942

Y también en este caso, por si os quedan dudas,   un corto inspirado en el de Kike Narcea sobre el salto de eje,  ¡Tía , no te saltes el … raccord!

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Sobre mantenimiento del eje

Sabemos que otro d elos elementos a tener en cuenta en el montaje es el EJE ÓPTICO.

Hablamos del mantenimiento del eje óptico de la cámara,  -esa línea imaginaria que une el centro  ­del encuadre con el centro del objeti­vo de la cámara-,   y que de no tener­se en cuenta ocasiona un “salto de eje” -por ejemplo, un tren en una estación va o viene, si se altera el eje óp­tico-.

Un interesante trabajo que os ayudará a tener claro el “salto de eje” y su “mantenimiento”

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Por si no os quedó claro el SALTO DE EJE, os dejo un corto del Notodofilmfest que tiene, precisamente, como tema, el salto de eje:  Tía,no te saltes el eje, de Kike Narcea

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Signos de puntuación

También la escritura cinematográfica posee sus signos de puntuación, es decir, sus comas, sus puntos, sus puntos y comas y sus puntos y aparte. Conviene saber que en cada época se emplean estos signos de modo distinto y que cada autor tiene su estilo propio de puntuación.

Os dejo un fragmento del capítulo, también visto, de la serie Amar el cine (MEC), dedicado al montaje y en el que se hace referencia a los signos de puntuación. Comprobaréis que definen encadenado, fundido y cortinilla (y lógicamente acompañan la explicación con ejemplos), pero no recogen transiciones como el barrido y el desenfoque.

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También en el vídeo de la UNED que manejamos para el tiempo y recursos temporales, al final es posible revisar los signos de puntuación.


[Actualización 26 de octubre: para mayor comodidad os lo dejo aquí. Recordad que falta CORTE]

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Barrido

El barrido es un signo de puntuación, o lo que es lo mismo, un procedimiento de transición que se realiza en la fase de registro cuando la escena acaba. La cámara se desplaza con una panorámica tan veloz que sólo se aprecian manchas fugaces en la pantalla. El barrido como las otras transiciones también sirve para enmarcar una elipse temporal más o menos prolongada, aunque a veces posee un sentido espacial; se trata de mostrar lo que está ocurriendo en ese mismo momento en algún otro lugar.

Recordad en este sentido el fragmento de Con faldas y a lo loco, película de Billy Wilder con Marilyn Monroe, Jack Lemon y Toni Curtis, -1959- con un sentido espacial (muestra alternativamente lo que está sucediendo a la vez en tierra y el el barco). En este, correspondiente a Ciudadano Kane, de Orson Welles, -1941-, el sentido del barrido es temporal [No supone ninguna dificultad el hecho de que esté en V.O.: un periodista entrevista a Leland (Joseph Coten), amigo y colaborador de Kane, acerca de su primer matrimonio. Se inicia un flash back en el que el paso del tiempo va marcado por sucesivos barridos y a partir de una serie de planos centrados en una misma situación, el desayuno del matrimonio, Welles nos muestra el deterioro de la relación de la pareja]

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Desenfoque

En el desenfoque la última imagen se va desdibujando progresivamente, a medida que la siguiente, inicialmente desenfocada, se perfila poco a poco hasta adquirir toda su nitidez. El desenfoque suele funcionar para introducir un recuerdo del pasado o un acontecimiento onírico o fantástico imaginado. También, en ocasiones, sin utilizarse como transición, en visión subjetiva, es un recurso expresivo que puede servir también para indicar el desvanecimiento o pérdida de la consciencia de un personaje.

Un ejemplo de desenfoque clásico en Una mujer en la playa de Jean Renoir -1947-, empleado como transición, en este caso, a una pesadilla

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Conviene saber que en cada época se emplean estos signos de modo distinto y que cada autor tiene su estilo propio de puntuación. Veamos un ejemplo de Bigas Luna en Yo soy la Juani -2006. Un fundido a negro y una estética de videoclip nos sitúan en el sueño de Juani

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Actualización

(4-11-2008)

A la vista de los problemas que estamos teniendo en el aula, voy a ir tratando de dejaros en la página alguno de los ejemplos de signos de puntuación que “no logramos ver”.

  • El golpe ,  George Roy Hill, 1973:  Cortinillas

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Recursos

A modo de guión:

en PDF

en WORD

Breve historia del montaje … y otras cosas

Vídeos Cine

  • Varios vídeos “didácticos” sobre Lenguaje, en esta otra página del blog  (naturalmente, montaje incluido)
  • La película de Eisenstein, OCTUBRE, completa y subtitulada en castellano:

[blip.tv ?posts_id=4369408&dest=-1]

Grunge film frame

Edición con Adobe Premiere

Os dejo un tutorial para crear videos básicos y faciles de hacer, compuestos por 2 clips de videos, una transición entre ellos y una musica de fondo, además de tí­tulos en el propio video. Es bastanteb elemental pero suficiente para lo que necesitamos en estas prácticas iniciales con Adobe. Os servirá para recordar, espero

Grunge film frame

Desde aquí puedes enlazar también al TUTORIAL de Adobe Premiere Pro

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