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Cine independiente americano

Algo de historia

En esta revisión de movimientos cinematográficos no nos habíamos ocupado hasta ahora del cine norteamericano. Pero es imposible hablar de lo que se ha dado en llamar cine independiente americano sin hacer un poco de historia inmediata:

Mientras en Europa filmaban los jóvenes creadores de la nouvelle vague o del free cinema -que revisamos- el cine norteamericano, en los años 50, empezaba también una serie de transformaciones de mano de una serie de directores:

1 De un lado, la llamada generación de la televisión (Stanley Kramer, Robert Altman, Sydney Lumet, Martin Ritt, John Frankenheimer…) que, formados en ese medio, aportan nuevos sistemas de producción, preocupaciones sociales y temas alternativos a los ofrecidos habitualmente por Hollywwood. Aportan sensibilidad social, preocupación por historias cotidianas y realistas tanto en adaptaciones literarias como en guiones originales. [En esto coinciden, en cierta medida, con los planteamientos que habíamos visto en el free cinema] Entre 1955 y 1962 realizarían sus obras más significativas, antes de que cada uno siguiera su trayectoria personal. [Los años 50: Contexto histórico]

2 El llamado New American Cinema, nacido en Nueva York, verdadera alternativa a Holywood y “pariente” de los nuevos cines europeos. Tras una primera generación con figuras tan interesantes como Maya Deren, surgiría una nueva generación en la que podríamos diferenciar dos grupos en función, sobre todo de la opción hacia un cine más narrativo o más experimental y vanguardista. En el primer grupo se sitúan los autores incluidos en la llamada Escuela de Nueva York y su figura más singular será John Cassavetes. En el segundo sobresalen figuras como la de Andy Warhol.

Os dejo dos fragmentos de documentales. En el primero podéis ver una entrevista a Cassavetes en el documental Cineastas de nuestro tiempo (1968). En el segundo, y con un acierta estética de videoclip, se recogen imágenes de Andy Warhol, de sus rodajes, personajes… [Ambos, eso sí, en inglés]

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El cine de la Escuela de Nueva York, claro antecedente de lo que se ha dado en llamar cine independiente en la actualidad, se olvida, de repente, del glamour, de los grandes escenarios, de fastuosos vestuarios y maquillajes y desarrolla temas cotidianos abundando en aquellos considerados tabú por la industria establecida:

  • Rechaza el mundo de ficción totalmente desligado de la realidad que domina en Hollywood.

  • Trata de llevar a la pantalla las contradicciones e incertidumbres de la realidad, de plantear cuestiones que no tienen por qué resolverse.  Su cine plantea preguntas sin respuestas.

  • Los personajes no se plantean como estereotipos sino que presentan las complejidades propias de la vida real; suelen ser personajes débiles con los que los espectadores difícilmente se identifican.

 

El cine independiente hoy

Lo que se da en llamar cine independiente, empieza a tomar cuerpo de naturaleza en la década de los ochenta cuando en la taquilla consigue su primera etapa de éxitos comerciales con Jim Jarmusch y su Extraños en el paraíso, comedia en B/N de bajo presupuesto y que consiguió fama internacional tras ganar en Cannes, y Spike Lee con Nola Darling, los hermanos Cohen con Sangre fácil, Alex Cox con Repo man o Steven Soderbergh con Sexo, mentiras y cintas de vídeo

 

Extraños en el paraíso, Jim Jarmusch
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No es país para viejos, Hermanos Coen (2007)
[blip.tv ?posts_id=1214808&dest=-1]
[Imágenes de la película e información de EFE   -naturalmente previo a los Óscar, en los que como sabréis Bardem se llevó el Óscar al mejor actor secundario-]

 

Es muy común encontrar distintas definiciones del concepto “independiente”, auténtico cajón de sastre en el que caben cineastas tremendamente dispares.

Se trata, inicialmente, de un cine independiente respecto a la gran industria cinematográfica, respecto al Hollywood de la fábrica de estrellas y el éxito de taquilla como casi único objetivo, independencia que les permite tener el control artístico de la película: característica propia de lo independiente según uno de sus incuestionables realizadores, Jim Jarmuch.

Opinión similar mantiene otro de los iconos del cine independiente, Hal Hartley, en una entrevista (2003) en El Mundo: “Hollywood sólo quiere hacer dinero, por eso es superficial, para no ofender al espectador” “A principios de los 90, público y crítica tenían muchas expectativas ante el cine independiente; pero se cansaron, tanto los espectadores como los críticos“, reconocía ayer Hartley, aunque no por ello se muestre falto de esperanzas: en parte, porque dice que son modas y las modas siempre vuelven; en parte, porque no parece querer apuntarse a ninguna escudería. «Nunca he pensado en hacer cine independiente; ni ahora ni en mis comienzos», explica pausado. Lo que siempre he querido es hacer las películas que me interesaba hacer”, añade “y para ello, reconoce, necesito tener el control tanto del presupuesto como de la distribución”

Además de esta característica señalada tanto por Jarmusch como por Harley: tener el control artístico sobre su obra, en Miradas de cine (nº 3) se incluyen una serie de notas características de toda una generación de directores que se acercan de una forma distinta de a la realidad de su tiempo:

  • Una voluntad de apartarse de los esquemas operativos dominantes en Hollywood (aunque utilicen algunos de sus recursos para abrirse en ocasiones a un público mayoritario, sobre todo en la elección de actores conocidos que sirvan de reclamo)

  • Un cine mucho más intimista, psicológico, humano, centrado en pocos personajes y esencialmente emocional (aunque esta emoción parta del desarrollo de situaciones y problemáticas de extrema dureza que nos induzca al rechazo- en este punto existiría una escisión entre los que potencian un discurso amable y los que aprovechan para verter toda su bilis satírica y cruel)

  • Una marcada inclinación de estos cineastas hacia un universo apegado a la realidad (aunque sea deformada), cotidiano, que analiza con una profundidad y un rigor casi documental y antropológico los distintos problemas que se generan en el choque entre individuo y sociedad, intentando acceder al mismo tiempo a interesantes reflexiones acerca de la naturaleza del ser humano.

  • Un cine que choca frontalmente con el sueño del ideal americano; un cine protagonizado por perdedores, pobres parias que viven a la sombra de una sociedad que es incapaz de entender sus conflictos vitales; seres anónimos que, en definitiva se encuentran confusos y a lo único que aspiran es a encontrar su lugar en un mundo que definitivamente no está hecho a su medida.

Nombres: Además de los ya citados, (y además de Woody Allen, posiblemente el caso más emblemático de cineasta independiente con una evolución coherente a lo largo de su dilatada carrera, nada frecuente con otros directores más integrados en el sistema de estudios), Abel Ferrara, Paul Auster, Wayne Wang, Kevin Smith, Quentin Tarantino, Tom DiCillo, Alexander Payne, Terry Zwigoff, Larry Clark, Todd Solondz, Neil LaBute, Wes Anderson …..

 

Vivir rodando, Tom DiCillo (1995)
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[fragmento que incluye el “rodaje” de la secuencia del sueño; formato no muy adecuado, lo siento]

 

Clerks, Kevin Smith  (1994)
[blip.tv ?posts_id=1214857&dest=-1]

 

Otros recursos

Declaración del NEW AMERICAN CINEMA Group (en Fuera de campo)
Sobre el underground neoyorkino
Cine underground
¿De qué hablamos cuando hablamos de cine independiente?

 

En las imágenes, de arriba a abajo: John Cassavetes, Jim Jarmusch, Spike Lee, Tom DiCillo y Kevin Smith.

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