Cine_Cam

Expresionismo

En Europa, a partir ya de la década de los diez y con mucha mayor fuerza durante la década de los veinte, se desarrolla una intensa y fruc­tífera interacción entre cine y vanguardias artístico-literarias.

El expresionismo abarcó la pintura y el cine pasando por la literatura, el teatro o la música. Este movimiento de vanguardia, nacido a principios del siglo XX en Alemania, recurre a la acentuación o deformación de la realidad como mecanismo para expresarse.

[blip.tv ?posts_id=1087772&dest=-1]

Presentación, vista y comentada en clase, con pintura (”antecedentes” incluidos) y música expresionista

[blip.tv ?posts_id=3289230&dest=-1]

Fragmentos películas significativas

Contexto

Tras la declaración del fin de las hostilidades de la Primera Guerra Mundial, el kaiser Guillermo II abdica y huye hacia Holanda (octubre de 1918). Se deshace el gobierno imperial y es proclamada la República alemana, cuyo nuevo gobierno es el “Consejo de comisarios del pueblo”. La Asamblea constituyente se reunió en la ciudad de Weimar para proclamar la nueva constitución, de ahí que entre 1919 y 1930 hablemos de la República de Weimar, la nueva república federal alemana.

El cine que se hace en Alemania en esta época, tras la Primera Guerra Mundial, fruto de las inquietudes sociopolíticas de la Alemania de postguerra, respuesta airada al impresionismo y con una clara influencia del expresionismo pictórico, literario y teatrla, constituye un modelo de cine como medio artístico y de vanguardia para todo el cine posterior.

No debemos olvidar que durante la primera guerra, el gobierno alemán había puesto en marcha la creación de una empresa de producción cinematográfica, con la que abastecer de películas propias a las salas del país. De esta iniciativa surge en 1917, la U.F.A. (UNIVERSUM FILM A.G.)., estudios claves en la historia cinematográfica alemana.

Antecedentes

Los historiadores que gustan de buscar antecedentes a toda obra que suponga una ruptura con la estética dominante , suelen citar como pre­cur­soras del cine expresion­ista obras como El estudiante de Praga, 1913, de Paul Wegener o “El Golem“, 1914, (con varias versiones posteriores), también de Paul Wege­ner y Henrik Galeen, antigua leyenda judía sobre un hom­bre de arcilla al que me­diante una fór­mula mágica se logra infundir vida, ­(pre­cedente de mu­chas otras películas posteriores de tema similar: la crea­ción de la vida).

Características.

En el cine expresionista se puede apreciar una influencia del expresionismo pictórico (Munch, Nolde, Kirchner, Schiele, Käthe Kollwitz…), en la estilización de los decorados, en los gestos y la iluminación, fruto, sobre todo, de la influencia de diseñadores como Walter Reimann. Si el expresionismo buscaba expresar sentimientos y emociones por encima de la realidad objetiva, nada mejor que crear unos decorados que imposibiliten cualquier refrencia a la realidad.

Derivado, pues, de otras experiencias artísticas, el cine expresionis­ta, (desarrollado tras el éxito de “El gabinete del doctor Colegiar“, 1919, de Robert Weine) trata de reflejar los estados de ánimo recurriendo a la simbología de las formas, deliberadamente distorsionadas. Deforma la realidad para mostrar lo que hay más allá de esa falsa realidad, el lado más oscuro y angustioso de la humanidad. La expresividad de este estilo se apoyó en los elementos plásticos: decorados, luces, tra­jes, maquillajes y la propia interpretación de los actores. Los personajes están marcados por el mal y por un sentimiento de angustia, al igual que la atmósfera de las películas. La temática gira en torno al mudo interior de los personajes, sus fobias, sus temores, la fuerza del inconsciente… Esta estética, más apropiada para temas fantásticos e irreales, condicionó notablemente su temática y prácticamente todo el cine alemán de la época muda estuvo vin­culado a ella.

Obras_Autores

La película que marca el inicio del movimiento fue El gabinete del doctor Caligari, (1919), de Robert Weine. El título más emblemático del cine expresionista alemán fue un proyecto que debía haber realizado Fritz Lang, pero tenía que rodar la segunda parte de Las arañas, así que el productor, Erich Pommer, ofreció el proyecto a Robert Wiene, cuya formación teatral fue decisiva en muchos aspectos de la película, especialmente la utilización de decorados pintados por los artistas Hermann Warm, Walter Röhrig y Walter Reimann que integraron la propia luz en las pinturas dotando a la película de una estética irreal. Rodada en los estudios UFA y totalmente en interiores, se estrenó con copias coloreadas en diversos tintes para las diferentes secuencias, posteriormente sólo se exhibió cortada y en blanco y negro. (El guión original de la película, inspirado en un caso real ocurrido en Hamburgo, fue modificado y Wiene, seguramente presionado por la productora y ésta por las autoridades alemanas, añadió una escena inicial y otra final que trastocaban el sentido de la historia, quedando convertida en el relato de un loco.)

El guión original pretendía ser una dura crítica del estado alemán a través de la historia de los crímenes que come­tía un médium bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari que reco­rría las ferias exhibiendo a su sonámbulo. Wei­ne, a pesar de las pro­testas de sus autores, transformó el guión en el relato imaginario de un loco que cree ver en el director del manicomio donde se halla al peligroso doctor Caligari. La obra cobró con ello un carácter realista en la que persistió lo alucinante y demoníaco del original gracias al estilo plástico (de hecho se atribuye, por parte de la crítica, a los figurinistas y deco­radores el mérito real de la obra). La película constituyó un auténtico éxito y el término “caligarismo” pasó a designar a todas las películas de estética similar.

Fragmento de El Gabinete del doctor Caligari
[blip.tv ?posts_id=1087930&dest=-1]

Se trata de los créditos iniciales que mantienen la tipografía original, tan acorde con la estética de la película, y que ya vimos en clase. Os los incluyo porque la copia entera que podéis ver en el Vodpod no los mantiene.

En la película “El gabinete del doctor Caligari” se pueden observar claramente los rasgos más característicos del movimiento. En ella se adultera todo:

– la luz no sólo es artificial, de marcados contrastes, sin grises, sino que incluso los reflejos de luz que entran por la ventana son pintados

– los decorados de las ciudades, contrahechos y desfigurado, de perspectivas falseadas, siempre interiores, absolutamente teatrales, marginan cualquier referencia a la realidad.

– el maquillaje de los actores

– su actuación deliberadamente exagerada…

– la planificación y los movimientos de cámara: En la película no hay prácticamente ningún movimiento de cámara -tan sólo algunas breves panorámicas- y la mayoría de las escenas se presentan en plano general, en relación directa con la escenografía…

Todo contribuye a reflejar el clima axfisiante y enloquecedor en que se mueven sus protagonistas. Es pues, un film único cuyas propuestas no hallarán continuación más que en determinados elementos, recursos o puesta en escena.

[blip.tv ?posts_id=1087971&dest=-1]

En este caso, el momento en que Francis va a buscar a su amigo Alan a su habitación para convencerle de ir a la feria. Allí acabarán viendo el espectáculo de Caligari con Cesare, el sonámbulo y éste le confirmará a Alan que sólo vivirá hasta el amanecer.

La selección obedece a que sirve para comprobar que formalmente, la película es una especie de pintura en movimiento, con formas y perspectivas distorsionadas (tomad nota de las calles, la habitación), vestuario raro cuando no extravagante, decorado entre exótico y totalmente vanguardista (fijaos en las sillas), personajes muy maquillados, luces y sombras como si fueran cuadros….

Un comentario sobre la estética de la película:pdf.jpg

Murnau_Lang

El expresionismo evolucionó, como no podía ser menos, con dos figuras fundamentales en la escuela germana: Friederich Wilhelm MURNAU, y Fritz Lang.

Murnau

Nació en 1888 y murió, apenas nacido el cine sonoro, en un accidente de coche en California en 1931. Se inicia en distintas artes como la pintura o el teatro y frecuenta los círculos expresionistas hasta que se inicia como director de cine.

Breve recorrido por la obra de Murnau, TV2

 [blip.tv ?posts_id=5104484&dest=-1]

En 1921 realiza uno de sus films más famosos Nosferatu, (1922), adaptación libre de la novela fantástica “Drácula”; en ella, y frente a la estética expresionista de rodar todo en interiores y con decorados, rueda en es­cena­rios naturales cuidadosamente elegidos, mezclando de manera genial realidad y fantasía (cuidadosamente reseñados con el empleo de nagativo para pasar del mundo real al de ultratumba).

[blip.tv ?posts_id=1087990&dest=-1]

En el fragmento el joven Hutter va a ver al conde Orlok por orden de su jefe para venderle una casa que el conde quiere tener en Londres. Nadie quiere acercarle al castillo. (También en Vodpod podéis ver la película íntegra)

Este su primer gran éxito, fue superado por El último, de 1924, que supuso una revolución en la historia del cine por sus movimientos de cáma­ra: travelling subjetivos (atando la cámara al pecho del operador), cir­cu­lares y movimientos de grúa que causaron un enorme impacto. La película nos presenta la historia de un portero de un lujoso hotel, orgulloso de su uniforme, que por su avanzada edad es rebajado a otro servicio, en los lavabos; como no se conforma, roba cada día el uni­forme para regresar con él a su casa hasta que un día es descubierto. Dejando aparte un final feliz al “modo americano”, la película es una obra maestra del cine alemán y marca la transición del expresionismo hacia el realismo social. Es también uno de los pocos films narrados sólo con imágenes, sin rótulos.

[blip.tv ?posts_id=1088251&dest=-1]

El primero de cinco capítulo que podéis encontrar en Youtube (Cómo se hizo-El último) en el que, a través de imágenes, nos resumen el argumento y

Otras obras significativas son: Tartufo” de 1925, adaptación de la obra de Molière, y Fausto, de 1926, a partir de la obra de Goethe, con un impresionante despliegue de medios técnicos

A partir de 1926 se traslada a América, rueda otra de sus grandes películas, Amanecer, en 1927 y muere poco antes del es­treno de su película Tabu, sonora, rodada en los mares del Sur y finan­ciada por él mismo.

Fritz Lang

Junto con Murnau fue el auténtico maestro de la escuela expresionista. (Viena 1890 – Hollywood 1976). Se inicia como guionista en 1916 y como director en 1919 logrando un gran éxito comercial con un serial de aventuras llamado “Las arañas”, en las que recogía muchos de los motivos exóticos de sus viajes por Africa, China, Japón, Indonesia o los mares del Sur. Más popular aún sería su serial del Doctor Mabuse, 1922, en el que en clave de aventuras, retrataba el caos económico alemán.

Su expresionismo, arquitectónico y monumental, quedaría más tarde plas­mado en la epopeya Los Nibelungos, 1923-1924, en dos partes, basada en Wagner, y exaltación de la superioridad de la raza aria. (Ideología “pre-nazi de la que se echa la culpa a su mujer y guionista Thea von Harbou, más tarde militante nazi mientras que Lang se traslada a los Estados Unidos).

Otra de sus obras monumentalistas es Metrópolis, 1926, inquietante -aunque a veces resulte un tanto infantil y conservadora: concluye con un simbólico abrazo entre el Capital y el Trabajador, visión futurista de un mundo poblado de horribles máquinas que no sirven al hombre sino a los grandes señores que pueblan la superficie mien­tras los infrahombres, los trabajadores casi esclavos, viven en una región subterránea de pesadilla.

[blip.tv ?posts_id=1088035&dest=-1]

De Metrópolis ya comentamos al hablar de Cabiria y, por supuesto en clase. Aquí os dejo un trailer que recoge bastante acertadamente spectos de escenografía, puesta en escena, ciencia-ficción… En Voppod tenéis también la película completa aunque con la inevitable publicvidad entre parte y parte.

Actualización, julio 2008.- Os dejo también un texto en PDF sobre el hallazgo reciente de partes que se creían perdidas: Noticia en PDF.   En WORD, en El Mundo

Actualización, Febrero 201o. Os dejo la noticia de su estreno en 2010, restaurada y con los fragmentos recuperados, en la Berlinale.

En 1931 rodaría su última película en Alemania, su primera película sonora y que Lang consideró siempre su favorita, M, el vampiro de Düsseldorf, inquietante película basada en hechos reales: un asesino de niñas tiene atemorizada a toda la ciudad. Mientras la policía lo busca sin resultados, deteniendo a cualquier persona mínimamente sospechosa, los líderes del hampa, preocupados por las redadas contra ellos, deciden encontrar al asesino ellos mismos. Para esta primera incusión en el cine sonoro , Lang se basó en un personaje real que pobló las crónicas de sucesos, Peter Kürten, que sería ejecutado por sus numerosos crímenes dos meses antes de que Lang estrenara la película. (Una interesante película española de 1958, El cebo, de Ladislao Vajda, tiene claras reminiscencias de la película de Lang)

La teneís completa en Vodpod y así podréis comprobar que hay un leitmotiv: siempre que el asesino, Beckert (interpretado por Peter Lorre), suena una música que anticipa el crimen (En el salón del rey de la montaña de la obra Peer Gynt, de Edvard Grieg).

En 1933, Lang escapó de la alemania de HItler -éxodo que compartió con otros muchos creadores del cine alemán-, primero a París y más tarde a Es­tados Unidos donde, ya dentro del cine sonoro, continuó dirigiendo: Furia, 1936, Sólo se vive una vez, 1937, Deseos humanos, 1954, Mientras Nueva York duerme, etc.

Influencias en el cine posterior

Sin necesidad de extendernos, podemos afirmar que, de alguna manera, el expresionismo rompiendo con el exceso de tea­tralidad de sus orígenes, llega hasta nuestros días. La importancia del expresionismo y su influencia fue evidente en el aún joven cine norteamericano (recordemos cómo grandes figuras del cine alemán acabaron trasladándose y trabajan do en EE.UU.), donde tanto el mejor cine de terror como posteriormente el cine negro tomaron prestados muchos de los logros estéticos de dicho movimiento (fundamentalmente la utilización de la luz y los contrastes con fines dramáticos), para utilizarlos de diferente manera con magníficos resultados a tra­vés de la obra de directores como Josef von Sternberg, Carol Reed y, especialmente de Orson Welles, entre otros. Y eso, sin olvidar su influencia en el cine negro o en las raíces de un género que, vinculado durante mucho tiempo al cine de serie B, continúa entre los gé­neros vigentes en nuestros días, el fantástico. En nuestros días, directores como Tim Burton se declaran claramente admiradores ( recordemos su Batman, por ejemplo) y todo el cine de terror es deudor de su estética.

[blip.tv ?posts_id=1752683&dest=-1]

Vincet, corto de Tim Burton

¿Y qué me decís de este videoclip de los Red Hot Chili Peppers?

[blip.tv ?posts_id=1088168&dest=-1]

[Uno de los enlaces interesantes de la webgrafía con la que contáis os la dejo en el post: sobre expresionismo]

Anuncios

2 comentarios

Subscribe to comments with RSS.

  1. […] Por eso estoy encantada de poder situarlo en un blog dedicado a la imagen “fija”;  introduciéndolo, pues,  más allá de aquellos en los que  le había,  inevitablemente,  incluido:  Actividades de Lengua o de Cine […]

  2. Tim Burton en el MOMA « CAM_Imagen fija said, on diciembre 29, 2009 at 11:39 am

    […] Por eso estoy encantada de poder situarlo en un blog dedicado a la imagen “fija”;  introduciéndolo, pues, un un nuevo blog, más allá de aquellos en los que inevitablemente incluido:  Actividades de Lengua o de Cine […]


Responder

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Cerrar sesión / Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Cerrar sesión / Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Cerrar sesión / Cambiar )

Google+ photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google+. Cerrar sesión / Cambiar )

Conectando a %s

A %d blogueros les gusta esto: